Yo La Tengo - There’s a Riot Going On

by DOPM
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 對於Yo La Tengo 這樣不朽的傳奇獨立樂團,還能在2018推出新的專輯,實在是一件非常難得的事。走過了九零年代那樣獨立搖滾的全盛時期,並在當時推出像《Electr-o-pura》和《I Can Hear the Heart Beating as One》如此經典的專輯, Yo La Tengo早就在indie樂迷心裏有了無可撼動的地位。只是在近幾年從《Fade》之後所出的專輯,聽起來總覺得好像是少了甚麼,覺得他們好像真的老了,甚至在現場Ira Kaplan這位不老頑童刷起爆破吉他都不像以往那麼過癮。

在2015推出了翻唱專輯《Stuff Like That There》後,他們接到了改編自暢銷社會書「背離親緣」的同名紀錄片(預計今年會上)的配樂工作,而Ira、James、Georgia 三人就開始在一起jam。而James則是用電腦音樂製作軟體Pro Tools進行錄音與後製。根據訪問,這張專輯就是在這樣即興演奏的環境下漸漸產生的,然而編曲的方式卻是相當不同。因為他們把jamming 時的撥弦、滑音、鼓擊、甚至是feedback剪輯出音樂小片段,再把這些片段looping、堆疊、或是倒帶,宛如在拼拼圖一樣的方式創作。

而或許也就是這樣的創作方式,揪心的芭樂旋律,招牌爽炸的破音時間,在新專輯幾乎都是找不到的。〈You Are Here〉有點像是 《Fade》的延續,把krautrock重複的節拍編成溫馨又充滿希望的曲子,為專輯打開了序幕。但是很快就會發現這張專輯的歌風格五味雜陳,不免讓人有種失焦的感覺。甚至有種這是一張未完成音樂草圖的錯覺,許多曲子甚至沒有該有的明顯樂曲發展。但偶爾有幾首歌還算不錯,像是〈For You Too〉,就還帶點經典YLT破音元素,但是比起以前的作品那還是差的有點多。〈Let’s Do It Wrong〉則是另一個經典的YLT,甜美的男女對唱無疑是indie pop的夢幻小品。

By esuf

我想只要你是死忠Yo La Tengo 的樂迷,幾乎是不可能對他們推出的任何新作品感到失望的。原因很簡單,因為他們是Yo La Tengo!其實我想講到這裡就好,如果你也是樂迷,自然就會懂為什麼我會這麼說。但是為了澄清我不是無腦的腦粉,還是稍微解釋一下好了。

我愛Yo La Tengo,不只是他們曾經作出經典的獨立搖滾作品,而是他們這個團曾經做過的一切事情。想想看他們都是耳順之年的老頭了,他們還可以這樣完全沒有包袱的不斷嘗試新的東西,把他們之前一起jam音樂的傳統打破,全部用拼貼的方式來摸索一個曲子可能會是甚麼樣的面貌。雖然他們也是常常幹這事,把同一首曲子改編的完全不一樣。但是今天,他們所嘗試的方式是一個完全不會樂器的人也能做音樂的方式,他們把三四十年的經驗全拋在後頭,把自己當作是amateur的態度來創作新的音樂。

當然新專輯的音樂聽起來或許沒有那麼新,卻是相當amateurish,不過這似乎始終都是Yo La Tengo覺得他們該走的方向。從〈Sugarcube〉的音樂錄影帶,我們看到他們是如何揶揄那些想要成為rock star 或是別人想像中的搖滾音樂人的荒謬行徑。而他們一路走來,做的音樂都是他們自己想要做的音樂,而不把樂評、銷售甚至是他們的樂迷當作做音樂的對象。對我來說,才是他媽的真搖滾。如果你真的想要聽他們破音吉他搖滾的東西,聽他們舊專輯就好啦!

而甚麼才是真正做自己的音樂? 就是做他們自己喜歡聽的音樂,誰管它曲風雜亂!了解Yo La Tengo的人都知道他們是貨真價實的樂痴,他們各種音樂都聽,芭樂的、實驗的都照單全收。也因為他們是真正的喜歡不同音樂,他們毫不掩飾地用他們獨特的演奏效法其他樂風,管它是krautrock、free jazz、ambient、bossa nova。其實這張專輯再多聽幾次下來,曲風的迥異會越來越不明顯,圍繞著整張專輯的是一種introspection的氛圍,可以說它有溫馨的感覺,也可以說它是一種令人感到欣慰的存在。

專輯名取得雖與Sly and The Family Stone經典專輯同名《There’s a Riot Going On》,然而曲風的走向卻是天差地遠。我自己的解讀是外界的紛紛擾擾不斷地在持續發生中,但是有了YLT的音樂陪伴,我們能透過他們的音樂把自己沉澱下來。不論是暫時從這個混亂的社會抽離一陣子,或是自己靜下來思考屬於自己的想法,而不是一味地轉貼,選邊站或是湊熱鬧。在2018還能從我一直以來都很愛的樂團,聽到如此樸實美好的音樂真的是一件很感人的事情。

By fuse

Preoccupations - New Material

by DOPM
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由於對絕望處境的深刻描寫、桀驁不馴的態度以及在後龐克樂風上另闢蹊徑,加拿大樂團Preoccupations已經成為我最喜愛的樂團之一。自從聽到先行單曲〈Espionage〉之後,便殷殷期盼新專輯《New Material》的發行(樂團在命名新專輯方面還是很隨便);隨後的單曲〈Disarray〉、〈Antidote〉也完全滿足我的脾胃,《New Material》可說是2018上半年我期望最高的專輯。

《New Material》在聲響上與首張專輯《Viet Cong》較為相似,都採用仿若Joy Division似從遠方傳來、經過特殊處理的鼓聲,不過吉他手Scott Munro在受訪時提到樂團這次刻意要擾亂聽眾的視聽,讓人分不清聽到的樂器演奏究竟是吉他還是合成器。另一方面,雖然團員可能嘗試了更多實驗性的聲響,在寫曲方面的旋律性反而提升,主腦Matt Flegel略為嘶啞的歌聲是順著樂器演奏的引導唱出來,而不是與之互別苗頭,所以《New Material》較缺乏前兩張專輯的原始張力,但比前作更好入耳。

單曲正巧都位於專輯的前半段。先前提到的首支單曲〈Espionage〉以空蕩的鼓聲開場,隨後進入的合成器旋律十分搶耳,Flegel的聲音與機械化的節奏結合後幾乎讓人想要起舞,這些都體現出Preoccupations音樂的主要概念:以戲謔的態度面對人生中的苦難。它的低成本MV作為副歌時不斷重複的 Change is everything (But it’s nowhere to be found) 的視覺呈現真是再適合不過,不停變形的灰階幾何圖形使聽眾宛如置身在M. C. Escher的圖畫中,永遠走不出迴圈,但這場悲劇又帶給人難以言明的荒謬喜感。瞪鞋風格的〈Disarray〉主旨探討人生完全建立在謊言上,有趣的是,其中旋律美好的吉他riff和貝斯給人一種浪漫的感覺,這首歌可能是Preoccupations成團到目前為止最容易被人接受的歌曲。

長六分鐘的〈Antidote〉以合成器為主軸,樂團同樣製造出反烏托邦場景與惡趣味並存的氛圍;不同於樂團大多數的歌曲,〈Antidote〉指涉的焦慮來源非常明確——我們每天無法休止地吸收來自各方的破碎資訊,卻沒有耐心深入研究嚴肅的議題(No dialogue between yourself / And an intelligent objective),在Flegel於副歌絕望吶喊 To live is to suffer again and again 之後,「資訊過量」的字句與凌亂的鼓聲不斷重複,讓人切身體會到焦躁感,歌曲最後在古怪的環境音響中倏然結束。

專輯中的其他歌曲也不乏佳作,第二首歌〈Decompose〉在扎耳的仿吉他聲中開展,歌詞黑暗但十分詩意,我很喜歡這首歌的人聲旋律,Flegel說樂團創作時嘗試了David Byrne與Brian Eno將大調主旋律與小調和聲搭配的方式,聽起來格外優美。詭異的〈Manipulation〉充斥著自怨自艾的情緒,認為自己的存在沒有意義,主歌間的噪音橋段令人不安,使得副歌的 Please don't remember me / Like I'll always remember you 情感衝擊特別強烈。

有點可惜的是,《New Material》在後段顯得有點「混」,〈Solace〉嚴格說來並不差,急促的吉他 (?) 與厚實的貝斯組合聽起來過癮,但感覺是樂團輕而易舉就能寫出的曲子,若說它出自前兩張專輯也很合理。〈Doubt〉的鼓機節拍、復古的合成器以及Flegel拖慢的唱腔讓它聽起來如同向Depeche Mode致敬的歌曲,樂團承認歌曲是在他們酒醉時快速完成的,要是他們再花些功夫或許能將這首歌帶往更有意思的方向。終曲〈Compliance〉戲劇化的電氣效果宛如2000年代中期的m83,令人有些摸不著頭緒,懷疑究竟是怎麼來到這邊的,專輯怎麼突然就播完了?

雖然《New Material》是Preoccupations三張專輯中長度最短的,結束得也略顯倉促,但也預示了Preocucpations一些新的創作方向,包括增加電子元素、加強旋律性,〈Espionage〉、〈Antidote〉、〈Manipulation〉等歌曲探討的主題也較深入個人內心,而非一體適用的汎汎之談。在步調快速又紊亂的每日生活中,我需要Preoccupations的音樂提醒我檢視重要的問題,並不放棄想像更好或更壞的現實。

by Debby

評分:

Ought - Room Inside the World

by DOPM
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在聽到《Room Inside the World》裡的單曲〈These 3 Things〉時,心想那個以電吉他噪音為要角的Ought到哪裡去了。這次他們褪去了電吉他噪音,改以重複的鼓機節奏與貝斯線還有合成器來譜成曲子,優雅且流暢的節奏給人相當耳目一新的感覺,而歌曲的音樂影像也相當的耐人尋味。影片中,人們為一個假人設置了各種符合他日常需求的自動化機關,但建立起的這些自動化的準則要套用到真人上卻完全不適用,機關原先該發揮的功能幾乎全部都亂了套,因為同樣的模式和價值觀不可能套用在不同人身上,就像主唱Tim Darcy在歌曲中所唱,你必須清聽並感覺你的靈魂,而那個不安於現狀的因子一直都在你的靈魂中,因此物質生活、制度與框架有時對我們來說就像是囚困靈魂的監牢,如果要一個人完全遵循框架而活那幾乎是違背人性的,我想這也是這張專輯很重要的一個主題。

Tim Darcy的唱腔在專輯中給人一種非常富變化性的感覺,在專輯中他可以是Robert Smith、Scott Walker、Morrissey 、Mark E. Smith甚至是David Byrne,但那歌聲聽來是比模仿還要更內化的聲音,更像是聽了他們的音樂無數次後所自然而然會唱出口的嗓音。像歌曲〈Disaffectation〉中的歌聲聽來就像是Robert Smith跟Scott Walker兩人的唱腔融合在一塊,Tim Darcy唱著那種不安於現狀的感覺是相當神聖的,這感覺也讓他覺得自己是真真切切的活在這個世界上,音樂上,Ought則讓像The Smiths那樣八零獨立吉他搖滾的血液流竄著整首曲子。

整張專輯就如同開場曲〈Into the Sea〉和專輯封面所描繪的那般,色彩不斷的流變,猶如深灰轉為藍色再由深藍色轉變為灰。當媒體問他們這張專輯跟以往的作品相比,在政治的想法上有什麼改變,畢竟團員們是在2012年魁北克的學生示威上所認識的,而整張專輯在概念上又比以往的作品來得抽象,不由得讓人以為他們已經從當代政治中抽離出來,但Tim Darcy認為這張專輯跟他們過往的作品一樣政治,畢竟有什麼音樂不是政治呢?只是他們對現狀沒有絕對的答案,比起非黑即白,他們比較偏好站在所謂的灰色地帶上。

在編曲上,我喜歡像〈Disgraced in America〉和〈Take Everything〉那樣非直線式的實驗性編曲,總是有一些驚喜藏在當中意想不到的地方,因為你可以聽得到同一首歌曲在轉換他自己的結構,聽起來異常的自然但又富饒複雜的結構變換,天啊,你想〈Take Everything〉的後段不正是Yo La Tengo嗎。到了〈Desire〉,Tim Darcy搖身一變成David Byrne,開頭的合成器如同深藍色的浪波揭開曲子的序幕,接著明亮的吉他弦響巧妙的穿插其中,他神經質般的歌唱方式絕妙的與合唱搭配,聽來猶如看著深邃無盡的大海一般。

終曲〈Alice〉曲名所指的是爵士鋼琴家Alice Coltrane,也因為她的音樂深刻的影響著他們,所以歌曲以她為名。曲子由重複的合成器琴鍵聲轉變為全然的環境音效,聽者就像是朝著深不見底的洞井望著,看不到盡頭,只有無盡的黑。《Room Inside the World》比起他們前兩張專輯聽來更加細膩、優雅,它不會是一張你聽一次就會喜歡的作品,但卻是一張越聽會越有味道的專輯。

by pblue

評分:

Hookworms - Microshift

by DOPM
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2015年因颶風的侵襲導致英國里茲遭受水患之苦,而Hookworms位於里茲的錄音室Suburban Home也因此被洪水淹沒,所有的錄音設備全都因此毀損,主唱、錄音室的擁有者MJ瞬間失去了他辛苦打造的空間也頓時失去了賴以維生的錄音設備,因此讓Hookworms失去了排練的場地也無法繼續錄製新的音樂,所幸在眾人集資的捐贈下錄音室在2016年得以重建,而這次他們的第三張專輯《Microshift》也象徵著樂隊在經歷洪災危機之後的重生。

私認為《Microshift》是他們所有作品到目前為止中最好也是最成熟的一張專輯,相較起前兩張作品,《Microshift》更加的以Krautrock、新迷幻樂風為主要走向,在樂器方面也偏重於使用類比合成器但又不至於失去他們早期硬蕊噪音龐克的基底,也因為錄音設備、樂器全因洪災而汰換過一遍後影響了整個樂隊在聲響的表現方式,他們也不諱言未來更加的以電子聲響為主要走向。這可能也是他們最流行的一張作品,主唱MJ的聲音不再透過躲在效果器以及吉他音牆後面,他的嗓音比以往來得突出但又不至於搶走其他樂器聲響的風采,主副歌的旋律都是流暢的不讓人感到煩膩。

《Microshift》的主題圍繞著精神疾病、死亡、身體意象、在公共空間的焦慮感,MJ說他在這張專輯的歌詞的撰寫花了相當多的時間,寫詞如同在治癒他長期以來的憂鬱症,將他的親身經歷都訴諸在音樂上。單曲〈Negative Space〉即便是一首相當躍動的曲子講述的是MJ對他擔任音響工程師摯友的死的感受,他唱道:「在我沮喪時我仍然會見到你,在我沮喪時我仍然會聽到你。」當他看到摯友的遺物時依舊感到悲痛,當他將寫好的作品想拿給他看時卻再也找不到他,那些還想問的問題已經再也找不到人來回答。〈Negative Space〉在聲音的變換上相當精彩,彈跳般的合成器聲響製造出一種不真實的空間感,歌曲優異的起承轉合已是對摯友最好的致敬。

〈Static Resistance〉的Motorik節拍與電流流過般的電吉他音牆譜出一首以Krautrock曲式為主的歌曲,如同慶祝他自己的挫敗般,他對社會上因男性的身體意象而認為男性如果罹患心理疾病就象徵著失敗感到不滿,那樣疾病的存在如同靜態的在反抗傳統社會價值觀。MJ將他對父親罹患阿茲海默症的感受全都寫在〈Ullswater〉這首如在星際穿梭的新迷幻曲子,Ullswater是英國湖區的第二大湖,因為他的父親在生病前常跟他去那旅遊,如今當初的美好回憶已被疾病吞噬再也不復返,這也使他感到焦躁不安,那些記憶就像從未發生過隨著時間流逝而逐漸消散,反覆彈跳般的合成器聲響與吼叫般的電吉他輪番上陣讓他的嗓音化為一股能安慰自己的力量,而副歌也讓我想起許久不見的Secret Machines。

〈The Soft Season〉暫別了前面幾首曲子的跳舞節拍,改用如同沉浸在水中的環境聲響,像是專輯上下半部的分界點,純然用聲響無縫接合下一首〈Opener〉,歌曲再度主張男性不用因為自己的心理疾病或喪失男子氣概而困擾,愉悅的節拍讓那些迷失自我的人不需要再感到自卑。〈Each Time We Pass〉猶如一首Panda Bear的曲子,MJ在這首歌曲表現的比其他歌曲來的內斂,以低音節奏為基底再讓高頻的電子音效充滿繽紛的色彩感,曲尾對聲音細節的處理也讓人感到微妙。

里茲遭受水患的那天剛好是英國的Boxing Day,所以〈Boxing Day〉象徵著樂團在水患前後的分界點,吉他噪音與薩克斯風間斷的回響著整首曲子如同Swans在音樂中的黑暗躁動,最後曲子嘎然而止,猶如所有的音響器材被猛水淹沒,聲音頓時消失在空間中。在尾曲〈Shortcomings〉,MJ不斷告訴自己不要這麼具有自毀傾向,但即使如此他還是無法控制自己,需要其他人來抓住他一把防止自己被自己吞噬。

《Microshift》是一張在節拍和旋律轉換上相當流暢的作品,並用激昂的嗓音與舞曲節拍來處理自我內心的鬱悶將他們消化為另一股勢不可擋的能量。天災所帶來的毀壞並沒有讓他們沉入水底,反而讓他們因此脫胎換骨在這張專輯重新站起來,重生,並且超越以往的自己。

by pblue

評分:

Wolf Parade - Cry Cry Cry

by DOPM
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去年Wolf Parade復出巡迴時一併推出EP《EP4》,可說是非常有誠意,畢竟不是所有重組的樂團都會馬上帶來新作品。現在回頭聆聽《EP4》,發現它就像是今年新專輯《Cry Cry Cry》的前導之作,其中〈Automatic〉、〈Mr. Startup〉等歌曲已經展示出Wolf Parade部分的創作藍圖,《Cry Cry Cry》再加入巡迴過程中所蓄積的能量以及團員這幾年的生命體會,聽起來情緒飽滿又臨場感極佳,讓我不時重溫去年看樂團現場的回憶。

從Wolf Parade於2016年宣佈復出至今,已經發生了許多事情。首先,去年許多搖滾巨星離開了我們,最為大家熟知的應該是David Bowie和Leonard Cohen,在一片惋惜聲之中,搖滾樂迷覺得好像身份認同的部分根基受到動搖。接著便是美國總統川普在大選中獲勝一事,不論政治立場如何,他的政見和選舉結果都顯示出世界上許多重大議題已經朝向令人憂心的方向發展。今年團員們將陸續邁入四十大關(雖然外表可能看不出來),但他們仍覺得與主流價值格格不入,仍然對科技冷感,這些感受在《Cry Cry Cry》當中都有深刻的描寫。

我不喜歡誇大其詞,但第一次聽到歌曲〈Lazarus Online〉的時候感動得熱淚盈眶。雖然許多搖滾歌曲的主題都是關於自殺或輕生的念頭,〈Lazarus Online〉特出的地方在於歌曲完全從他人的角度設想,展現同理心的同時語言又十分詩意。開頭幾句歌詞描述了這首歌的情境:

線上拉撒路
我收到了妳的信
妳的名字是Rebecca,是我的歌迷,妳放棄了自殺念頭
那就好。讓我們抵抗。怒吼對抗黑夜的來臨。

Spencer Krug的歌詞常常引經據典,此處引用Dylan Thomas的詩句也顯得十分巧妙,拉撒路則用來譬喻原本心死的樂迷因為聽到音樂而重新找到活下來的理由。

在他生日那天的烈陽下
妳放逐自己到地球邊境,哭喊著為什麼上天要帶走他
妳寫道,聽我的音樂「就像心上挨了一拳」
我讀到時也不禁落淚

音樂讓我們能同時間體驗相同的情緒,並一起舔舐傷口、一起復原,而對於創作者而言,得知自己的音樂能拯救生命心中亦激動不已。 〈Lazarus Online〉在演奏上切實地傳達了其中濃厚的情感;開頭的鋼琴旋律、中段的吉他與合成器營造出悲傷的氛圍,當Krug唱到已逝者生日時節那段歌詞時,Dan Boeckner的吉他聽起來尤為催淚。曲末團員的合唱象徵樂團與聽者共同經歷了治癒傷痕的過程,之後彼此都會更努力地活下來。

另一首關於生命中重大衝擊的歌是〈Valley Boy〉,熱鬧的副歌容易讓人誤會這是首開心的歌曲,不過實際上卻是要獻給已逝的Leonard Cohen。Krug在歌曲開頭提到一段他個人的回憶,或許世界各地的樂迷在聽聞Cohen的死訊時都有相似的經歷。

廣播不停播送著你的歌曲
討論著你在樓梯上跌倒而不治
你是不是預知到一切事情都將惡化
進展到令你無法承受?

〈Valley Boy〉納入了Cohen的生平軼事和歌詞意象,包括Cohen生前的繆思女神Marianne和他曾皈依佛門一事。作為一個發跡於蒙特婁的樂團,Wolf Parade必然感受到和Leonard Cohen有精神上的聯繫,因此演繹這首歌聽起來格外熱切。Cohen過世的隔天便是美國總統大選, 〈Valley Boy〉歌詞中藉由這項巧合發出一些政治批判:川普當選美國總統、美國各地的槍枝暴力和族群衝突越演越烈。在Dan Boeckner近似於Television歌曲〈Marquee Moon〉的吉他彈奏間,Krug用 One, three, two, and four / South, east, west and north / Summer, water, fall and fire / All has fallen out of order 來比喻原有秩序已崩解。Cohen離開人世,逃離了世界上種種紛擾,化作「一隻電線桿上的鳥」(Bird on the Wire) 並找到了自由,其餘還活著的我們只能靠聆聽他的音樂、讀他的詩作來度過醜陋的塵世生活。

《Cry Cry Cry》專輯的重頭戲在中間的兩首搖滾金曲〈Baby Blue〉和〈Weaponized〉。〈Baby Blue〉以合成器為大宗,由Spencer Krug主唱,滿溢他招牌的豐沛情感,歌詞大概只能用「美麗與毀滅」來總結。Krug與愛人之間的關係趨近病態,對雙方都是自毀的過程,但這段關係在摧毀他的同時又是他的精神支柱,他說什麼都不願抽身。Moonface的歌迷對於「藍色」、「火焰」等頻繁出現在《Julia with Blue Jeans On》和《My Best Human Face》等專輯的意象一定不陌生,且Spencer Krug持續提到蒙特婁,這座城市因為他的歌曲而不朽。貝斯手Dante DeCaro和鼓手 Arlen Thompson在〈Baby Blue〉的表現也特別值得稱道,他們打造的節奏組使歌曲更富戲劇張力。

Dan Boeckner創作的〈Weaponized〉採用較傳統的搖滾樂歌曲架構。開頭的鋼琴爬升相當引人入勝,讓人立刻進入五光十色的虛擬世界中。和〈Baby Blue〉相反,〈Weaponized〉探討的不是情感上的執著而是現今常見的短暫線上戀曲,伴侶可能有多重身份與偽裝,讓人難分虛實,無法判斷是否為真心。不論同不同意他的觀點,歌曲本身節奏明快、吉他獨奏也聽起來很過癮,我可以想像現場觀眾對這首歌的熱烈反應。

身為另一位主腦,Dan Boeckner在《Cry Cry Cry》當中貢獻近一半的曲目,即使他的歌不像Krugs那樣創意十足、天馬行空,但他讓聽眾接受到搖滾樂真誠的魅力。〈You’re Dreaming〉的跳舞節拍極具感染力,把樂團跳動的合成器、漂亮的吉他演奏和鼓點結合成迷人的都會獨立搖滾歌曲。〈Flies on the Sun〉藍調風情的吉他在專輯中很有特色,娓娓道出時光流逝、青春不再,感情走到盡頭的心境,結尾的吉他和細微的鍵盤聲聽來悲傷卻也不過度頹喪。

Boeckner的〈Artificial Life〉及Krug的〈King of Piss and Paper〉在專輯結尾製造了另一波高潮。〈Artificial Life〉以神經質的氣場和對階級分化的尖刻批評來吸引人;Wolf Parade目前的生涯階段讓他們想對社會議題發表看法,而他們也避開了假如向人說教會引起的不悅感。〈Artificial Life〉乍聽之下歡樂、玩世不恭,聽眾能邊跳舞邊消化嚴肅的議題。隨後的〈King of Piss and Paper〉(又指涉現任美國總統)走的則是催情路線,Krug的歌聲和各件樂器表明就是要搖撼人心。當下的社經情勢令Krug疑惑不解,提出各世代的創作者都感到迷惘的問題「藝術家的作品應該關注自身經歷,還是關注社會問題?」

How can you not sing about love?
How can we not sing about ourselves?
How can we, how can we sing about ourselves?
How can we sing, sing about love?

起初Krug先思考個人經驗(「我對宗教的恐懼很陌生 / 也不能宣稱自己能體會酷兒的處境 」 ),然而情勢發展使他無法視而不見,終於瞭解到政治事務與個人經歷是密不可分的。即便「國王」(意指有權勢者)已經磨刀霍霍要殺光大家,Krug和團員會用音樂維持反抗的姿態。

《Cry Cry Cry》是Wolf Parade成團至今整體感最佳的一張專輯。雖然風格並未偏離舊作太多,也沒有〈Grounds for Divorce〉、〈This Heart’s On Fire〉、〈I’ll Believe in Anything〉、〈California Dreaming〉等等這些一鳴驚人的歌,但創作成熟度和表演方式都勝過以往,探討的主題也感動人心。樂團甚至在〈Am I An Alien Here?〉提到Bowie的離去帶給我們的失落。許多不被主流價值認可的人們從Bowie的作品獲得認同感,現在這位另類藝術家已逝,我們該怎麼辦?別擔心。Wolf Parade只是外表看起來很正常,但他們永遠會與我們這些躁動的中年人站在一起,唱出我們的心聲。

by Debby

評分:


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